Cuestionario Final – Stephen Shore
Esta fotografía de Stephen Shore me llegó instantaneamente por varios lados. Hay algo sobre las fotos de objetos que me gustan cuando tienen este enfoque: algo así como una fotografía de estudio pero que si miras al rededor, se empieza a ver esa historia detrás del objeto tanto por la iluminación, las texturas, los colores y el hecho de que el cartón de leche esta abierto. Pertenece a una serie llamada ‘American Surfaces’ donde capturó fotografías a color durante un viaje a través de los Estados Unidos durante 1972 a 1974.
Juzgando simplemente por la textura granulada ya se podría estar hablando de una fotografía analógica en un film de 35 mm y en cuanto a la iluminación, en un primer vistazo pense en una luz casi cenital ya que la escena esta bien iluminada pero aun asi el carton de leche imprime una sombra detras. En un segundo análisis me imagino la posibilidad de un flash ya que me llama la atención la forma ovalada o circular del foco de luz y lo aviñetado de los bordes que parece como si el cuarto estuviese en plena oscuridad por un instante.
Durante su viaje, Shore decidio adoptar cada objeto, cada comida que ingeria, cada parada en cada ciudad y cada persona que conocia como su arte. Cuando recien se expuso dicha serie ‘American Surfaces’ en Nueva York, no tuvo una calida recibida por los criticos de la fotografia de la epoca (1974) por la estetica «snapshot» que normalmente encontramos en los albumes familiares y la forma de exhibicion de la obra (pegada con cinta de enmascarar directamente sobre la pared) ya que se considero simplemente radical. Hoy en dia su fotografia es altamente acalamada y reconocida como un momento clave en la historia de la fotografía.
En la formalidad de la fotografía, se puede encontrar errores de enfoque y encuadre que de alguna forma funcionan igual. Hay algo sobre la calidez que genera esto de lo real, lo humano, lo testimonial. En esta fotografia puntualmente hay cierta belleza en los colores, la estetica de la etiqueta del carton de leche. Bordea un poco lo publicitario pero al mismo tiempo se cae la idea cuando notamos las costuras de lo que podria ser una acolchado de una cama del algun motel en Amarillo, Texas que nos ubica en otro espacio, otra intencion.
La fotografia a color era todavia algo novedoso (por eso no fue tan bien recibido en un principio) y Shore no estuvo timido con la explotacion de estos en la mayoria de las fotografias de esta serie. Encuentro un paralelismo con la cultura consumista tipica americana en exponencia. Son varios los artistas que usaron esta tematica adaptada a su arte (Andy Warhol). Lei algo sobre Shore representando a traves de su fotografia una «realidad exaltada» y me hizo pensar en lado b del consumo o la fotografia de producto. La realidad de lo que consumimos ubicado como un objeto real y no como uno plastificado como se veia en los comerciales de television o revista.
TP Final – La Zona
Para la última instancia tuve que cambiar de locación. En la última propuesta, aunque funcionaba bien y logre resguardar la identidad del sujeto como intencionaba, no tomé una fotografía que me convenza asique decidí intentar otra vez. Empece por probar varios escenarios siempre intentando mantener un espacio de luz natural, suave y con un indicio del atardecer. El día estaba nublado pero con un dejo de colores rojizos del sol guardandose en la tarde noche.
Hace mucho que quería probar tomar fotografías en movimiento y a partir de esto surgió la idea de capturar esta acción repetida del sonido con el movimiento del vestido y el pelo envolviendo al sujetos en cada ida y vuelta. Lo que mas me gustó y me llevó a elegir esta propuesta es como el espacio tiene colores con una saturación muy baja que hacen que resalte la figura de mi amiga que al tener un vestido de color claro, absorbió algunos colores del cielo un poco mas saturados del atardecer que pareciera que se tratara de dos fotografias o como si tuviese una intervención respecto al fondo.
Proceso
Algo que se habló en clase es sobre la referencia a la estética de Lucrecia Martel como en La Cienaga y de la idea de una identidad no reconocida en la captura del video al no llegar a mostrar nunca la mirada del sujeto. Para esta instancia me enfoque en la iluminacion y la exposición de la imagen ya que no tuve la suerte como la vez anterior de unas nubes que me ayuden con la exposicion de los colores de la escena. Agregue un sonido extradiegetico para aumentar el ritmo dramatico de la escena con el sonido del viento y de unas campanas que van al ritmo desesperado a medida que se va acercando el sujeto al objetivo.
Esto es en la casa de mi amiga Marga. Estabamos tomando un te cuando alce la vista y me encontre con este árbol que, sus ramas caídas acompañaban cada movimiento del viento de manera muy sensible, cada hoja y cada rama siguiendo el ritmo. Le pedi a ella que caminara hacia mi imitando al arbol, es decir, que con el viento ella se mueva como sienta y se direccione a lo que le salga en el momento.
Mirando el video ahora le pediría que se mueva mas y por ahí, que no muestre tanto la cara, aunque sea menos segundos y que de alguna forma el árbol funcione como una censura, que de ganas de descubrirla pero no hacerlo del todo o por lo menos no hasta el final.
TP3 – Autorretrato
16 de Noviembre, 2020
El espejo de mi madre – En el momento de plantearme que podría representar de mi que valga la pena retratar fue un desafío muy grande. Son meses difíciles en los que no me sentí protagonista por lo que implico pausar todo un rato y analizar que soy, que tengo, como me veo, como me ven. El espejo y los reflejos son algo con lo que vengo trabajando hace tiempo y siempre encuentro algo nuevo para mostrar con eso. El primer intento fue por ahí, el espejo de mi baño que coincide perpendicularmente con un vidrio opaco que divide a otro espacio donde hay una ventana. La luz del mediodía entra directo y encontré un aura lavándome los dientes que decidí aprovechar.
Otro día estaba probándome ropa de mi mamá. Y entendí una cosa, muy obvia a mis ojos pero que vengo negando hace años. Los últimos meses no lo vi pero por fin me admití que son pocas las cosas que nos distinguen y me amigue con la idea de que, al final, soy el reflejo de mi madre, no exactamente por lo físico, pero en esencia, adopte desde lo bueno y algunos aspectos no tan apreciables de lo que conozco de ella. Y en ese instante, otra vez en el baño de mi casa encontré una luz de la tarde que dibujaba unas líneas en la pared muy marcadas. Me recordaron a la luz de los escenarios en los teatros que desenmascaran a los protagonistas con esos triángulos casi blancos sobre una oscuridad absoluta. Y fue así como, de alguna manera, se reflejo todo eso, un momento de realización desenmascarada por la luz del sol entrando a las 4 de la tarde un domingo de calor.
ISO 100
30 mm
F/6.3
1/1000 sec
TP 2 – El espejo – Final
16 de Noviembre, 2020
En un intento de salir un poco de la norma de retrato en un plano corto quise integrar a la persona en el espacio y acompañarlo de objetos que sumen.
Un artista que resonó mucho en esta instancia fue Larry Sultán. Mi ambición fue en el uso de colores y saturaciones. La luz que elegí del día para tomar la foto no me ayudo y tampoco el encuadre para la disposición de otros puntos de atención en la fotografía.
ISO 100
50 mm
F/5.2
1/1250 sec
8 de Noviembre, 2020
En un modo experimental me tire por el lado de fotografía pictórica basándome en el trabajo de Julia Margaret Cameron, pionera en este estilo. Una de las limitaciones con la que me encontré durante esta prueba fue la cámara con la que trabaje que en este caso es un zoom digital que no me permitió generar esa textura visual analógica tan particular de la artista. Además, la distancia focal también afecto en este caso lo que no me permitió despegar tanto la figura del fondo por eso opte por usar un fondo con una tejido negro detrás para apreciar aun mas la luz en el rostro. Lo que mas quise remarcar fueron las sombras y luces que generan un chiaroscuro característico de este estilo y las expresiones del sujeto cargadas de miradas intensas y de emociones.
Sobre Luisa: mi cuñada, amiga y compañera de risas. No para de hablar y es de las personas mas simpáticas que conozco. Teniendo en cuenta esto, miren la sorpresa que nos llevamos con esta expresión seria y la mirada intensa.
Cuestiones técnicas: la escena es en exterior, luz natural de tarde que llegaba al lateral del rostro de Luisa lo que me ayudo a capturar un rostro dividido en dos tonos. La distancia de la cámara es de unos 3 metros.
ISO 100
50 mm
F/6.3
1/200 sec
Una de las experiencias mas enriquecedoras para mi en este trabajo fue la prueba de varias técnicas pero en este caso fue la idea de pensar en una fotografía de otra época en la que un retrato no significa simplemente capturar a una persona en su escénica si no crear una estética visual profunda e interesante para abordar en una análisis.
Julia Margaret Cameron
Retrato – Marta
1ero de Noviembre, 2020
Retrato/Reflejo. Podrían significar lo mismo, no? Aunque, hay algo sobre lo desdibujado de la imagen que deja ver aún más.
ISO 100
70 mm
F/4.9
1/125 sec
experimento
Retrato- MARINA
26 de octubre, 2020
Marina es una de mis amigas mas nuevas pero debería ser mentira. Excéntrica, graciosa e introspectiva, quien evitaría una cuota de estas? Marina y su hermana Paty se convirtieron en una cotidianidad que no aburre nunca.
Hay dos instancias en la toma de estas fotografías: Marina en su mundo sin percatarse de estar siendo observada a través de un lente, y otro en el que Marina entra en su juego.
Retrato – SUPERLATIVO
26 de octubre, 2020
Dorothea Lange nos cautivo con impresionantes fotografías representantes de la Gran Depresión. Creo que uno de los mejores sentimientos que me generan ciertas fotografias es la empatia, y esta artista nos regalo mucho de esto. «Funeral Cortege, End of an Era in a Small Valley Town, California» es una de las fotografias que mas me impactaron por la variedad de historias que surgieron en mi cabeza con solo mirarla. El encuadre del rostro de la mujer en la ventana del carruaje pareciera aludir a las tipicas fotos antiguas de retratos que las mujeres llevaban dentro de dijes colgados por una cadena en el cuello o los hombres en la guerra dentro de sus bolsillos embarrados y ensangrentados para recordar a sus amadas. En este caso, no podemos ignorar el sentimiento de tristeza y pesadez de un dia de luto.
La exposición es jugada ya que el carruaje es muy oscuro aunque favorece la figura del rostro de esta mujer que resalta en todo ese negro. Parecería ser de día lo cual favorece esta captura y el reflejo en el vidrio del cielo con nubes que agregan otro sentimiento al retrato de esta mujer en duelo.
TP 1 – la COSA – final
18 de octubre, 2020
Taza de café – dosis diaria. Este objeto tiene un valor significativo en mi vida por varias razones. La primera es que lo compre en una tienda de objetos usados. La segunda es que es un diseño de los años 70. La tercera es que soy una persona ocasionalmente aturdida por la nostalgia y la necesidad de vivir en otra década. La cuarta es que me gusta el café. La quinta y ultima es que por todo esto y más me representa en el día de hoy. Por ser todas estas cosas, una reflexión que me viene a la cabeza es la idea del tiempo. El tiempo que paso y el tiempo que sobra. Y el reflejo que repite la taza es en cierta forma eso: la taza que paso, la taza que vendrá. Una tras otra, día tras día, un café tras otro café y la misma taza.
En la corrección de la clase surgió una autocritica en la que entre en cuenta de la concentración de mostrar el objeto como producto con nitidez e ignorando el concepto de aura o poética de la imagen. La alusión de la taza refiere a una taza de café como representación de la cotidianidad por eso quise acompañar al objeto con la literalidad del café que en cierta forma crea una complicidad entre ambos sin ignorar el protagonismo del objeto.
Tome la decisión de utilizar un lente teleobjetivo para no recaer en el recurso de foto publicitaria en el que todo esta en foco y jugar mas con la distancia focal y la profundidad de campo que contextualiza al objeto de otra manera. Con esto me encontré con la producción de una mística de la imagen que acompaña al concepto retorico de la taza. Al ser un objeto negro con un patinado brilloso, esto implico un desafío en el momento de iluminar el objeto para lograr el efecto deseado, o sea, que se vea de una manera en la que se perciba lo buscado sin caer en la normativa de la foto producto.
ISO 1000
70 mm
F/2.8
1/250 sec
transformación (proceso)
puesta en escena
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Constanza Valentino 